Vysvětlené monochromatické obrazy: Tisíc významů jedné barvy

Přeskočit na obsah

Monochromatické malby vytvořené nanesením jedné barvy na celé plátno vyžadují hodně úsilí a času, ale konečný výsledek je pro průměrného návštěvníka muzea často nepochopitelný. Všechny ty bílé čtverečky a černé plátna mohou být těžko pochopitelné a mnoho lidí se snaží najít svůj skutečný význam, často přemýšlel: Proč je toto sudé umění?

Ačkoli monochromatické obrazy se často objevují jako něco, co by mohl udělat i váš pětiletý, hlubší pohled na historii, koncept a umělecké procesy, za nimiž vznikl monochromatický film, odhaluje, co dělá monochromy magneticky přitažlivými pro umělce i milovníky umění po celém světě.

Původ monochromatický

Historicky lze samotný začátek monochromatické malby vysledovat až po francouzském spisovateli, díle Paula Bilhauda z roku 1982, vtipně nazvaného Negroes Fighting in the Cellar at Night. Umělecké dílo si později osvojila Alphonse Allais, který tento koncept rozšířil přidáním dalších 7 monochromatických obrazů se stejně vtipnými tituly, jako je První přijímání anemických mladých dívek ve sněhu nebo apoplektický kardinál, který sklízí rajčata na pobřeží Rudého moře. Ale to, co začalo jako vtip mezi dvěma francouzskými literárními postavami, se v následujících letech proměnilo v komplexní umělecké hnutí. Inspirován francouzskými spisovateli, otec suprematismu vytvořil svůj první monochromatický obraz Černého náměstí, jako způsob „osvobození umění od mrtvé váhy skutečného světa“.

Když Malevich maloval svůj slavný Černý čtverec, navždy změnil myšlenku, že umění by mělo představovat realitu. Přitlačením abstraktního umění k jeho samotným limitům vytvořil nový vizuální příběh, kde „barva a textura jsou samy o sobě konce“, zatímco předmět je nadbytečný. Hodnota Malevichova Černého náměstí spočívá spíše v jeho revoluční nové myšlence než v uměleckých dovednostech nebo estetice, konceptu, který v nadcházejících letech výrazně ovlivní minimalistické i konceptuální umělce.

Zkoumání barvy

Monochromatické obrazy, jako žádný jiný, činí materiál pro výrobu malby, skutečný lak, velmi viditelným. Vzhledem k tomu, že na plátně není nic jiného, ​​nemají diváci jinou možnost, než se zaměřit na samotnou barvu. Barvy komunikují s diváky na velmi osobní úrovni, protože u různých lidí vyvolávají různé pocity nebo vzpomínky. Bílá barva, stejně jako ta na Malevichově Bílé na bílém uměleckém díle z roku 1918, může vyvolat pocit čistoty a nevinnosti.

Na druhou stranu černé černobílé obrazy mají jedinečnou schopnost vyvolat pocit, že jsou zataženy do tmavé díry. Při pohledu na Malevichův černý čtverec nebo na abstraktní černou malbu Ad Reinhardta má mnoho diváků pocit, že se dívají do prázdnoty a současně zpochybňují svou existenci a úmrtnost. Yves Klein, další slavný černobílý malíř, úzce spolupracoval s chemikem na vytvoření vazebného média, které by absorbovalo modrý barevný pigment bez jeho změny. Výsledkem byla jasná ultramarínová pojmenovaná International Klein Blue, barva, kterou jeho vynálezce označil za „čistou podstatu svobody“. Umělec byl inspirován východními náboženstvími, která často spojovala modrou barvu s nekonečnem, a snažil se spojit lidi se čtyřmi přírodními prvky (vítr, voda, země a oheň) a přimět je, aby se cítili, jako by byli spojeni s vesmírem. A zatímco Malevich považoval barvu za „podstatu malby“, Klein viděl monochromy jako „otevřené okno ke svobodě“, čehož lze dosáhnout ponořením do nesmírné existence barev. Při pohledu na Kleinův jedinečný odstín ultramarina se diváci často cítí, jako by se dívali skrz otevřené okno na modrou oblohu nebo vlny oceánu.

Varianty textury

Monochromatičtí malíři často dělají své kousky více vzrušující experimentováním s různými texturami a tvůrčími technikami. Lucio Fontana rozřezal své monochromatické plátna, aby je proměnil v trojrozměrné sochy, zatímco zpochybňuje dvojrozměrnou povahu plátna.

V 80. letech začal korejský umělec Park Seo-Bo kreslit jemné linie po celé své monochromatické bílé plátně, čímž vytvářel smysl pro texturu i rytmus. Série Ecriture (což znamená psaní ve francouzštině) zobrazuje východní tradici kaligrafie, ale také duchovní cestu k samočištění. A zatímco kusy Park Seo-Bo připomínají čistotu a mírumilovnost buddhistických meditačních praktik, americká umělkyně Jessica Dickinson dráždí a leptá silné vrstvy barvy a vytváří pocit úzkosti a úpadku. A úsilí nikdy nezůstane nepovšimnuto. Diváci tráví více času přemýšlením o nekonečných hodinách, které umělci věnují nanášení vrstev a vrstev barvy, poškrábání a roztržení barvy a oceňování různých textur, které se objevily, aniž by se na ně dívali.

Během své relativně krátké existence si monochromy neustále hledaly způsob, jak se znovuobjevit. Monochromatické malby, počínaje radikální představou o oddělení barev od předmětu a umění od reality, se rychle změnily v nástroj pro sebezpytování a samočištění. V dnešní době se monochromatické obrazy používají k prozkoumání a vyjádření idejí identity a rasy. Současní umělci jako Ellen Gallagher a Alteronce Gumbys ve své práci odkazují na myšlenky rasy a pohlaví a zkoumají, co to znamená být černou ženou nebo černochem v dnešní společnosti. Díky své moci proměnit jednu barvu v katalyzátor mnoha významů a emocí budou monochromatické obrazy i nadále zdrojem inspirace pro umělce, kteří přijdou. Doufejme, že tento blog vám pomůže pochopit, o čem jejich skladby jsou.

Poznámka:

Tento článek vytvořil Art Acacia Gallery & Advisory ve spolupráci s Milica Jovic. Zde najdete originální text a další příspěvky o současném umění, kultuře a společnosti.
Chcete-li zůstat v obraze a dozvědět se více o uměleckém světě, nechte se inspirovat úžasnými díly, získejte umělecké poznatky a slevy v naší galerii - zaregistrujte se do našeho dvoutýdenního zpravodaje zde.
Chcete-li objevit umělce, které podporujeme, navštivte naši galerii online.
Pokud jste na sociálních médiích - sledujte nás na Instagramu, Facebooku, Pinterestu, LinkedIn a nikdy vám nic neunikne!